El
Rayo verde
Reflexiones
sobre la obra de Rolando Sigüenza y Crispín Vayadares
Niall Lynch – Marzo 2020
Esta exposición nos
presenta a dos artistas, su trabajo contiene varias corrientes en común, al
mismo tiempo responden en diferentes maneras. No es una sorpresa, considerando
la naturaleza de las diversas corrientes que inspiran a la creatividad.
Entran muy fácilmente
en el orden categórico de la interpretación, la categoría de lo costumbrista,
de lo naïve, autodidacta. La categoría de un arte que está completamente
confinado al mundo de sus propias obsesiones y limitaciones. Los trabajos de
Sigüenza y Vayadares presentes en esta exposición, y en otros lugares, nos
invitan a estas equivocaciones, incluso cuando las desarman. Lo familiar se
torna en provocación. El idilio se transforma en la inquietud de lo extraño.
El trabajo de Rolando
Sigüenza, las influencias son al mismo tiempo obvias y oscuras, Podemos ver sin
lugar a duda la iconografía tradicional cristiana con un nuevo significado en
la mitología propia del artista, Podemos ver también las profundas tradiciones
de los pueblos indígenas de Oaxaca, tradiciones que ya eran arte antes de que
se así se les percibiera “costumbrismo” hecho por autodidactas. Más aún, las
corrientes presentadas en estos trabajos, las colocan en un contexto
psicológico que es muy diferente de lo que el espectador pueda percibir, por el
hecho de leer la descripción en cada obra.
Por ejemplo, en
“Samaritano”, la obra muestra la tradición religiosa indígena y el folclore.
Esta pieza adquiere un sentido de amenaza, de dominación, es un contexto muy
diferente de cómo se entiende la presencia de la divinidad en el mundo de la
humanidad. El ángel no es simplemente un ángel, es un imponente gigante sobre
la gente a quienes les vierte el agua divina. Evocando extraordinariamente la
peculiar fusión entra la bendición y el terror que define el encuentro humano
con el divino.
Vemos un proceso
opuesto en la obra “Motivo Naïve”. Un ángel niño, jugando en un columpio,
suspendido de una nube repleta de flores, pareciera perdido en su propio mundo
de inocencia divina y felicidad. Alrededor de él docenas de otros disfrutan sus
paraísos de divertimento. Las multiplicaciones de las figuras en el segundo
plano promueven la centralidad del ángel en el columpio, también es una muestra
de solidaridad, el ángel cohabita en un universo de alegría, esto es el
verdadero sentido, incluso si él no se ha percatado de esto. Porque el disfrute
humano existe en la mirada de Dios, quien abarca individualmente cada una de
estas alegrías.
Lo que une estas
perspectivas en la obra de Sigüenza es su distintivo estilo. Las obras de su
autoría muestran al observador un mundo implacable en 2-D, caracterizado por su
primer plano combinado con trazos vigorosos y claros. Crea a su vez una
atmosfera de insistencia, una declaración donde la profundidad es dada a partir
de las percepciones del espectador. Siendo posible ya que está latente en la
presentación. Es aún más claro en las obras de Sigüenza las técnicas inherentes
al 3-D, tal como la pieza “Reencuentro”, donde las representaciones se
envuelven alrededor de cilindros de cartón. El primer plano, sin embargo,
permanece, resistiendo con valentía las tentaciones de la perspectiva y
profundidad visual.
Si en la obra de Sigüenza
encontramos el claro rigor de la iconografía renacentista resuelta desde la muy
particular perspectiva del artista, en el trabajo de Vayadares encontramos todo
lo contrario.
El retrato es uno de
los temas centrales de la obra de Vayadares, es un retrato deconstruido. Se
puede apreciar claramente en dos de sus obras que forman parte de esta
exposición. En la obra “sin título” con un rostro rosa y otro azul, los rostros
dominan el cuadro, pero estos están en un proceso de descomposición. Los
rostros han sido superados, devorados por objetos ajenos. Son asimilados en
otra realidad, aun cuando no se basa en la individualidad de los rostros, por
tanto en una realidad en las que estos rostros proveen únicamente la materia
prima.
Las máscaras que
cubren y devoran estos rostros evocan imágenes diversas y tradicionales,
máscaras de luchadores. El propósito de estas máscaras no es ocultar, talvez,
disolver la identidad de quienes las portan. En ambas obras, el trasfondo se
sitúa como el destino final de estos rostros. El fondo es la realidad que las
abrumará y las incorporará.
Existe en Vayadares un
arte de disolución dialéctico del ser. Una disolución que promueve sus propios
misterios, su propia belleza que trasciende al individuo. También en la obra de
Sigüenza la obra nos invita a contemplar el milagro de lo individual, un juego
en un mundo de disfrute y asombro.
The Green Ray
Reflections on the
Art of Rolando Sigüenza and Crispin Vayadares
By Niall Lynch – March 2020
The exhibition before us brings together
two artists whose work shares many influences in common, yet responds to those
influences in very different ways. Since
it is the nature of influence to inspire creativity, this is not surprising.
These influences
are also, however, temptations to the lazy mind. For they are so easily recognizable. They fall so easily into
pre-ordained categories of interpretation.
The category of the folkloric.
The category of the naïve, outsider artist. The category of an art that is confined
completely to the world of its own obsessions and limitations. The works of Siguenza and Vayadares presented
in this exhibition, and present elsewhere, invite these mistakes, even as they
disarm them. The familiar becomes
provocation. The idyll is transformed
into the uneasiness of the strange.
In the case of Rolando Siguenza’s work, the
influences are both obvious and obscure.
One sees, of course, traditional Christian iconography given a new
purpose in the private mythology of the artist.
One sees as well the rich traditions of the indigenous peoples of
Oaxaca, traditions that were art before they were considered “folklore” by
outsiders. And yet. The presentation of these influences in the
works themselves places them in a psychological context that is quite different
from what the viewer might expect simply from reading their description.
In “Samaritano”, for example, the work
obviously draws on indigenous religious tradition and folklore. Yet in its presentation, it acquires a sense
of menace, of domination, that provides a very different context for
understanding how the divine enters the world of humanity. The angel is not merely an angel, but a
giant, towering over the people over whom it pours its divine water. Evoking so brilliantly the peculiar fusion of
blessing and terror that defines the human encounter with the divine.
We see the opposite process at work in
“Motivo Naïve”. A child-angel, playing
on a swing, suspended from a cloud filled with flowers, seems lost in his own
world of divine innocence and happiness.
While all around him dozens of others enjoy their own paradises of
joy.
The multiplication of background figures
both qualifies the centrality of the ángel in the swing, and also shows that,
though solitary, the ángel inhabits a universe of joy, that is real event
if he is not aware of it. Because human
joy exists in the eye of God, who encompasses every individual joy.
What unifies these perspectives in
Siguenza’s work is his distinctive style.
His works present to the viewer a relentlessly 2-D world, characterized
by flatness combined with vigorous, clear outlines. This creates in turn an atmosphere of
insistence, a declaration that depth must be provided by the perceptions of the
viewer. Which is possible because it is
already latent in the presentation.
This is true even when Siguenza works in
media that is inherently 3-D, as in the piece “Reencuentro”, where the
representations are wrapped around cardboard cylinders. The flatness nevertheless remains, bravely
resisting the temptations of perspective and visual depth.
If in Siguenza’s work we encounter the
clarifying rigor of Renaissance iconography turned inside out by the artist’s
unique perspective, in the work of Vayadares we encounter the opposite. Portraiture is one of the centers of
Vayadares’ work, but it is a portraiture that is deconstructed. This is clearly seen in two of his works in
this exhibit. In and
, faces dominate the frame, but these faces are also in the
process of decomposition.
These are faces that are being overtaken,
devoured, by objects external to themselves.
They are being assimilated into another reality, one that is not
based on their individulityindividuality
as faces. But into a reality for which
their faces provide only the raw material.
The masks that both cover and devour these faces evoke images as diverse
as traditional masks, as well as the masks of luchadores.
The purpose of these masks is not to
conceal, but to dissolve, the identity of those who wear them. In both works, the background beckons as the
ultimate destination of these faces. The
background is the reality that will overwhelm and incorpórateincorporate
them.
There is, then, in Vayadares’ art a dialecticodialectic
of dissolution of the self. A
dissolution that presents its own mysteries, its own beauty that transcends the
individual. Even as Siguenza’s work
invites us to contemplate the miracle that is the individual, at play in a
world of joy and amazement.
Both artists are presenting not merely
images to be appreciated. But two very
different metaphysics, two very different answers to the question: “Why make
art at all?” That is the question this exhibit asks us to ponder, and provides
us with the inspiration to find our own answers to this question.
Jules Verne wrote a novel called “The Green
Ray’. It tells the story of adventurers
who travel into the far north, hoping to see, at sunset, the elusive green ray
that shines from the sun in the final moment before it falls below the
horizon. A green ray that will give them
insight into the unity of all experience.
In this exhibit, the viewer may find not one, but two such green rays.
